Bevor ich an dieser Stelle darum gehen wird, was genau dieses neue Format eigentlich ist und wie genau es funktioniert, bedarf es von meiner Seite vielleicht erstmal eines kleinen generellen Updates, was den weiteren Lauf der Dinge auf 1000kilosonar betrifft. Oder zumindest der Darstellung eines Istzustandes, mit dem ich bis Ende der laufenden Saison ein bisschen experimentieren will. Denn wie man an meinen jüngsten Artikeln beziehungsweise am Fehlen selbiger sehen kann, bin ich in den vergangenen Monaten hier ein bisschen in Rückstand geraten und in meinen Artikeln nicht ganz so aktuell, wie ich das eigentlich gerne wäre. An sich ist das kein Beinbruch, die zu besprechenden Platten sind ja jetzt einmal erschienen, doch verbirgt sich dahinter ein größeres Problem, das mit meinem Zeitplan, meinem inhaltlichen Fokus und auch meinen Präferenzen zu tun hat. Um es kurz zu sagen: Dafür, dass ich das alles hier völlig unentgeltlich und freiwillig mache, stecke ich eindeutig zu viel Zeit in dieses Hobby. Und da mein sonstiger Workload gerade an vielen Punkten an meiner wenigen verfügbaren Freizeit nagt, muss ich ganz einfach irgendwo Abstriche machen. Vor allem dann, wenn ich bis zum Ende der laufenden Saison noch die ganzen restlichen Platten hören möchte, die ich mir zu hören vorgenommen habe und dementsprechend auch einen ordentlichen Saisonrückblick zu machen. Abgesehen davon läuft neben meinen aktuellen Besprechungen ja im Hintergrund auch immer noch mindestens eine Oldies-Vorbereitung, eine größere Liste oder einer meiner Zehn-Jahre-später-Posts (deren aktuellste Ausführung gerade letzte Woche erschienen ist). Und weil das einfach irgendwo zu viel ist, lautet mein Plan für die nächsten zwei Monate nun folgendermaßen: Die aktuellen Besprechungen werden ab diesem Punkt erstmal eingestampft, damit ich es überhaupt noch schaffe, die Alben dahinter zu hören. Um aber zumindest einen Überblick über das zu geben, was ich letztendlich gehört habe (und was ich davon entsprechend weiterempfehlen würde), ist ab jetzt dieses neue Wochenschau-Format da. Hier soll einfach in relativ knapper und unmittelbarer Form mein Eindruck zu den Releases der Woche wiedergegeben werden, der dann regelmäßig alle sieben Tage erscheint (so zumindest meine Hoffnung) und das alles ein bisschen knapper, dafür aber auch prägnanter behandelt. Für mich soll das ganze dazu dienen, mein Schreibpensum zu reduzieren und mehr effektiv zu hören, für euch hat es vielleicht den Vorteil, dass es einen kompakteren Überblick über die Releases auf einen Blick gibt. Und wenn ich nach einer Weile trotzdem noch Bock auf eine ausführliche Besprechung habe, kann ich die ja anschließend immer noch schreiben. Denn auch wenn ich die eingesparte Zeit sicherlich auch gerne für andere Dinge als 1000kilosonar nutzen würde, schaffe ich mir so den Freiraum, in ausführlichen Artikeln, die es nach wie vor geben wird, ausschließlich über die Musik zu schreiben, die mich wirklich beschäftigt. Das heißt zum einen, dass es vielleicht öfters Mal Posts zu älteren Platten geben wird, aber auch so Sachen wie Songs für die Ewigkeit, Diskografie-Guides oder Playlisten. Und klar tut mir das auch irgendwo weh, weil die aktuellen Artikel quasi seit zehn Jahren das Kernelement dieses Formats sind und ich es liebe sie zu schreiben, ich habe aber auch die Hoffnung, dass mein Output dadurch vielfältiger wird. Außerdem ist das für den Rest der Saison ja auch erstmal eine Testphase. Sollte ich bis Ende Dezember also entscheiden, dass die ganze Nummer nichts bringt, gehe ich zu Anfang 2023 wieder zu normalen Artikeln über. Soweit der organisatorische Teil. Nun zu den Platten, die ich die letzte Woche über so gehört habe:
Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms & Lava
Die-Ai-Wei
Man sollte hier zunächst mal mit der Feststellung beginnen, dass King Gizzard & the Lizard Wizard es diese Saison (je nachdem, ob man das Remixalbum Butterfly 3001 vom Frühjahr mitzählt oder nicht) schon wieder geschafft haben, fünf komplette Alben in einem Jahr zu veröffentlichen, diesmal sogar ohne den Trick, eine der Platten buchstäblich am letzten Tag des selbigen rauszuhauen. Und obwohl das auch 2022 durchaus für einige Ermüdungserscheinungen von meiner Seite gesorgt hat und definitiv zu viel des guten ist, ist die durchschnittliche Qualität des diesjährigen Steaks im Vergleich zum ersten dieser Art von 2017 doch ein ganzes Stück gelungener. Wozu auch diese neue LP hier beiträgt, die zwar keine wirklich neue und besondere Richtung für die Australier aufzeigt, aber wieder mal ganz ordentlich den Stiefel spielt, den sie nun schon seit einer ganzen Weile kultivieren. Smoother Jazz-Funk-Prog-Mischmasch, den man in Ursprungsformen schon auf Quarters oder Fishing for Fishies hörte und der hier vor allem durch die großzügige Instrumentale Palette nochmal extra aufblüht. Von allen Platten dieser stilistischen Ausrichtung empfinde ich diese hier seit langem als die am besten gelungene, bei der mir auch die Songs härterer Gangart nicht fehlen. Ausbaufähig ist sie meiner Ansicht nach nur in der Hinsicht, dass...
🔴🔴🔴🟠🟠🟠🟡🟡⚫⚫⚫ 08/11
KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD
Laminated Denim
Die-Ai-Wei
...dass mit Laminated Denim direkt eine Woche später noch zwei weitere Songs der Band erschienen, die eigentlich auch perfekt auf Ice, Death, Planets usw. gepasst hätten und dieses in meinen Augen fast noch besser gemacht hätten. Sicher, beide Alben funktionieren auch für sich ganz vernünftig und mit zwei Tracks à 15 Minuten plus den 64 vom Vorgänger wäre das hier die zweite LP der Australier mit Überlänge in diesem Jahr gewesen. Doch macht es für mich auch relativ wenig Sinn, zwei so ähnlich klingende Platten direkt hintereinder zu veröffentlichen. Auch nicht dann, wenn man das hier als spirituellen Nachfolger der Vinyl-Only-Veröffentlichung Made in Timeland vom letzten Jahr versteht, von der eh kaum jemand Notiz nahm und die auch eher was für wirkliche Superfans der Band war. Und obwohl ich von Laminated Denim rein strukturell behaupten würde, dass es ähnlich gelagert ist und sicherlich nicht für eine Laufkundschaft funktioniert, ist es rein musikalisch doch sehr zugänglich und ebenso wie Ice, Death, Planets etc. pp. ein ziemlich gut gemachtes Stück Musik. Empfehlen kann ich es also irgendwie schon, auch wenn es eher ein Nachgedanke zu anderen Sachen ist, die man sich vielleicht zuerst anhören sollte.
🔴🔴🔴🟠🟠🟠🟡🟡⚫⚫⚫ 08/11
Being Funny in A Foreign Language
Dirty Hit
Dass ein neues Album von the 1975 heutzutage quasi immer eine popmusikalische Wundertüte sondersgleichen ist und man einige sehr sonderbare Moves von ihr erwarten kann, haben die Briten in den letzten Jahren erfolgreich etabliert und auch diese neueste LP enttäuscht in dieser Hinsicht kein bisschen. Denn obwohl sie mit 43 Minuten Spielzeit und 11 ziemlich normalen Songs wieder ein bisschen aus der Hybris zurückkehrt, die die letzten beiden Platten dominierte, ist sie in ihren Details doch mitunter herrlich weird. Vor allem merkt man das am Produktionsteam der Platte, das neben Jack Antonoff (der hatte schon das letzte Album produziert) und Frontmann Matt Healy auch exotische Namen wie Warren Ellis (der von den Bad Seeds) und DJ Sabrina the Teenage DJ umfasst. Wobei das faszinierende daran ist, dass diese Beiträge (obwohl man sehr deutlich merkt, wo diese jeweils zum tragen kommen) nie an der grundsätzlichen Kohärenz rütteln, die the 1975 hier erneut haben. Ähnlich wie sein Vorgänger ist Being Funny in A Foreign Language dabei ein sehr gut und schick gemachtes Pop-Album, das die Kompetenzen der Band (im Gegensatz zum Vorgänger) erstmals seit etlichen Jahren wieder auf eine knackige Essenz herunterkocht. Und obwohl der Mittelteil um Tracks wie I'm in Love With You und Oh Caroline in meinen Augen durchaus ein bisschen basic werden kann, ist die Hit-Dichte hier am Ende trotzdem hoch genug, um einen echt starken Eindruck zu hinterlassen. When We Are Together, Part of the Band und Looking for Somebody (To Love) sind tolle Lovesongs mit dem lyrischen Aha einer Taylor Swift und dem klanglichen Oho einer typischen Antonoff-Produktion, die beiden eröffnenden Stücke the 1975 und Happiness liefern eine spannende Links-Rechts-Kombi aus Philipp Glass-Minimalismus und DJ Sabrina-Softhouse und in Wintering gelingt des den Briten sogar, mir ein Weihnachtslied als einen der besten Tracks der Platte zu verkaufen. Was alle Songs dabei gemeinsam haben ist ein innewohnendes Harmoniebedürfnis, das vor allem durch die junge Ehe von Matt Healy inspiriert scheint, sich aber auch auf größere, gesellschaftliche Parameter bezieht. Und obwohl das dann durchaus auch mal ein bisschen cheesy werden kann (ist bei dieser Band ja nichts neues), steht unterm Strich doch das vielleicht bisher gelungenste 1975-Album überhaupt, mit dem sich die Band wieder ein bisschen mehr als Mainstream-Act verkauft, dabei aber nicht ihre songwriterischen Ambitionen aus den Augen verliert.
🔴🔴🔴🟠🟠🟠🟡🟡⚫⚫⚫ 08/11
Mata
Island
M.I.A. scheint 2022 bereits sehr früh den Punkt ihrer Laufbahn zu erreichen, in der aus der coolen Protestkunst-Ikone mit wichtigen Messages eine schrullige Queri-Klamotte mit fragwürdiger künstlerischer Aussagekraft geworden ist. In sozialen Medien fiel die Britin zuletzt eher mit dämlichen Impfgegner-Statements auf als mit ihrer neuen Musik und auch wenn man davon unbescholten nur auf letzteres schauen wollte, gab es nicht wirklich viel zu holen. Denn obwohl Mata als ganzes weder ein schlechtes noch ein enttäuschendes Album geworden ist, ist es doch auch alles andere als ein gutes. Und wer AIM vor sechs Jahren noch als einmaligen Ausrutscher verbuchen wollte, wird hier womöglich eines besseren belehrt. Wobei das Hauptproblem der Platte ist, dass sie nicht so richtig weiß, wohin mit sich selbst. Die sehr kärgliche Produktion und das aufgekratzte Songwriting an vielen Stellen lassen irgendwie vermuten, dass M.I.A. hier wieder an den etwas dreckigeren Spirit ihrer frühen Alben anknüpfen will, Songs wie the One oder K.T.P. versuchen an anderen Stellen aber (leider ohne großen Erfolg) echte Hits zu sein. Was unterm Strich für ein Album sorgt, dem in jeder Hinsicht irgendwie die Aha-Momente fehlen und das zwar die grundlegende Substanz eines M.I.A.-Longplayers grundlegend erfolgreich kommuniziert, sonst aber nicht viel kann. Was für eine Künstlerin, die mal als wichtiges kulturpolitisches Sprachrohr galt und zudem über eine halbe Dekade still war, schon echt wenig ist.
🔴🔴🔴🟠🟠🟠🟡⚫⚫⚫⚫ 07/11
Return of the Dream Canteen
Warner
Um es kurz zu machen: Das hier ist vielleicht das überflüssigste Album der gesamten Saison und in seiner Belanglosigkeit einfach nur eine kolossale Bürde. Weil es anscheinend nicht reicht, dass uns die neue alte Inkarnation der Red Hot Chili Peppers im Frühjahr nur einen kreativ ausgezehrten Brocken sterbenslangweiliger Boomer-Schnarchmusik vorlegt, die Kalifornier fühlen sich auch noch künstlerisch beflügelt und tischen gut ein halbes Jahr später nochmal einen nicht weniger faden und sinnbefreiten Nachlag auf, der mit jedem Bissen mehr im Mund wird. Und hätte ich mich darüber nicht schon beim ersten Mal ausführlich genug aufgeregt, gäbe es hier sehr viel, das ich zu meckern hätte. Wenn bei 17 Songs in 75 Minuten nicht ein einziger bemerkenswerter Song dabei ist, alle Mitglieder hier komplett auf Autopilot fahren und Anthony Kiedis' Texte mit jeder Zeile dämlicher zu werden scheinen, bin ich aber um jeden Satz froh, den ich darüber nicht verlieren muss. Außer vielleicht den, dass ich nie im Leben gedacht hätte, dass ich mir mal Josh Klinghoffer zurückwünschen würde.
🔴🔴🔴🟠⚫⚫⚫⚫⚫⚫⚫ 04/11
Pain Remains
Century Media
In der Szene rufen die Spatzen den Namen Lorna Shore ja schon seit Ende des letzten Jahres von den Dächern und nachdem ihre letzte EP ...And I Return to Nothingness im vergangenen Sommer ein echter Achtungserfolg war, wurde auch ich hier langsam neugierig, was es mit dieser Band wohl auf sich hatte. Konkrete Erwartungen hatte ich dabei nicht wirklich, was aber nichts daran ändert, dass Pain Remains mich hier ziemlich aus der Kalten erwischt hat. In großzügigen 61 Minuten ballert das Quintett aus New Jersey hier technisch einwandfreien Deathcore aus allen Rohren, der trotz seiner offenkundigen Brutalität und Kompaktheit an vielen Stellen sehr epochal und hymnisch werden kann. Und obwohl ich dabei nicht alle diese Eigenschaften als positiven Beitrag für die Musik empfinde, ist die Ästehtik dieser Band auf jeden Fall schonmal eine sehr definierte und eigenwillige. Vor allem die Gesangspartien von Oberschreihals Will Ramos kommen dabei an vielen Stellen extrem gefährlich und sind erstaunlich variabel, was sich perfekt mit dem sehr hakenschlagenden Sound der Gruppe ergänzt. Lange habe ich keine Platte mehr gehört, auf der ich so angetan vom Einsatz einer Doppelfußmaschine war und was Gitarrist Adam de Micco hier an Breaks und Soli aus dem Hut zaubert, ist immer wieder ein Erlebnis. Ein bisschen schade finde ich es ob dieser Kernqualitäten aber auch, wie sehr Lorna Shore ihren Sound dann immer wieder mit albernen Synth-Streichern und pathetischen Chören verschlimmbessern, die oft nach billigem EMP-Goth klingen und ans mit Wrath eigentlich fantastische Ende der Platte noch einen völlig überflüssigen sinfonischen Song-Dreiteiler à la Muse hängen. Eine richtig coole LP ist Pain Remains zwar am Ende trotzdem noch, allerdings vor allem auch des Eindrucks wegen, dass ich hier wirklich auf eine sehr spezielle Variante von Deathcore gestoßen bin, in der ich viel Potenzial sehe. Meine größte Hoffnung ist an dieser Stelle also, dass das hier nicht das beste Album von Lorna Shore bleibt.
🔴🔴🔴🟠🟠🟠🟡🟡⚫⚫⚫ 08/11
It's Only Me
Quality Control | Motown
Ich hätte es anfangs nicht gedacht, doch über die letzten zwei Jahre ist Lil Baby für mich tatsächlich einer der interessanteren Protagonisten im modernen Traprap geworden, in den ich mittlerweile auch einige ernsthafte Erwartungen stelle. Und obwohl man über seine neueste LP It's Only Me (seiner ersten ohne Kollaboration seit My Turn von 2020, also seit inzwischen fast drei Jahren) sagen muss, dass er darauf ziemlich stagniert, tut er das doch definitiv auf einem gewohnt starken Niveau und legt ein weiteres Mal ein echt stabiles Stück Streamrolling-Trap vor. Wie immer sind es dabei nicht einzelne Hits die den Unterschied machen, sondern der kontinuierliche Flow des ganzen sowie ein gutes Händchen bei Beats und Features. Obwohl das hier also sicherlich nicht als ein tolles oder besonderes Album in die Geschichte eingehen wird, erhält es meinen fragilen Glauben an die Musik dieses Typen doch effizient aufrecht. Und das ist in meinen Augen schon eine ganze Menge.
🔴🔴🔴🟠🟠🟠🟡⚫⚫⚫⚫ 07/11
the Car
Domino
Eine Sache, die Tranquility Base Hotel + Casino vor viereinhalb Jahren definitiv geändert hat ist, dass ich zu neuen Releases der Arctic Monkeys inzwischen ein sehr viel nüchterneres Verhältnis habe und meine Erwartungen daran eher bescheiden sind. Was sicherlich die richtige Einstellung gegenüber dieser neuen LP ist, denn obwohl sie in meinen Augen wieder ein Stück besser ist als der Vorgänger, findet sie doch in der gleichen loungig-narrativen Haltung statt, die auch hier noch immer nicht viel her macht. Seltsamerweise kann man das der instrumentalen Seite des Albums relativ wenig zum Vorwurf machen, die in Songs wie I Ain't Quite Where I Think I Am oder Hello You sogar ganz ordentlich vorlegen und eigentlich keinen schlechten Job machen. Die größten Probleme kommen stattdessen erstmals von Sänger Alex Turner, bisher eigentlich immer größter Rettungsanker der Band, der hier stellenweise echt weirde Sachen macht. So sind seine erzählerisch-surrealen Lyrics hier des öfteren eher awkward als mystisch-verhuscht wie sonst und die Art und Weise, wie er manche Worte überbetont, finde ich ziemlich irritierend. Weshalb es letztlich vor allem ihm zu verdanken ist, dass es the Car eben nicht gelingt, den Stilbruch der letzten Platte fünf Jahre später nochmal in ein besseres Licht zu rücken und den entstandenen Schaden zu begrenzen. Obwohl ich froh bin, dass es zumindest versucht wird.
🔴🔴🔴🟠🟠🟠⚫⚫⚫⚫⚫ 06/11