30.
LIL PUMP
Harverd Dropout
Warner Records
Lil Pump wird in tausend Jahren keiner dieser Rapper werden, die sich um lyrischen Tiefgang oder eine ernsthafte Attitüde scheren, insofern ist Harverd Dropout vielleicht das beste Album, das wir von ihm bekommen können. Eine LP voller stumpfer Banger mit dämlichen Texten über Drogenkonsum, Kohle und Hedonismus, die alle nicht die Welt bedeuten, dafür aber umso mehr ballern. Das gab es zwar auch alles auch schon auf seinem Debüt, hier hat der MC aus Florida allerdings nochmal die Messer geschärft. Härtere Beats, bessere Hooks, eine unbarmherzige Ohrwurm-Quote und hochkarätige Features machen das hier zur Platte, auf der Lil Pump seinen Lausbuben-Stil am wirkungsvollsten entfaltet. Wahrscheinlich der künstlerische Höhepunkt seiner Karriere.
Das beste daran: Wie schäbig in fast jedem Track der Bass übersteuert.
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29.
WALTHER LUFT'S KONFLIKT
Walther Luft's Konflikt
DIY
Ich bin unheimlich froh, dass das Debüt meiner Lieblings-Homeboys Walther Luft's Konflikt jetzt doch endlich das Licht der Welt erblickt hat. Nicht nur, weil es für die Band ein unendlicher Sackgang war, dieses Album in über drei Jahren fertigzustellen, sondern vor allem, weil sich die ganze Plackerei am Ende wenigstens richtig gelohnt hat. Die fünf Songs hier fangen genau den staubigen, dichten D-Beat-Postmetal-Sound ein, den ich in vielen Shows von ihnen lieben gelernt habe und spinnen um diese ganzen Klangbausteine ein lyrisches Konzept, das man fast als optimistisch-apokalyptisch bezeichnen könnte. Alles in allem ist das hier also ein Album, das als DIY-Debüt weit übers Ziel hinaus schießt und die wunderbaren WLK endlich auch auf Konserve großartig macht.
Das beste daran: Wie Bruch dem generellen Nihilismus der Platte das Happy End verpasst.
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28.
BILDERBUCH
Vernissage My Heart
Maschin Records
Ich weiß nicht genau, woran es liegt, aber auf diesem Album klingen Bilderbuch, als wäre sie angekommen. Weg vom hitzigen Party-Sound ihres Hype-Projekts Schick Schock, hin zur künstlerischen Freiheit. Zu einer Inkarnation, die nicht mehr über Hits funktioniert, sondern über klangliche Teppiche, lyrische Fetzen, schrille Jam-Passagen und Dada-Pop. Vernissage My Heart ist immer dann am besten, wenn die Österreicher mir gerade mal keinen Ohrwurm einpflanzen wollen, sondern kompositorisch im Raum herumwabern und sich wild ausprobieren. Sie klingen hier in meinen Augen zum ersten Mal so wie die Band, die sie selbst sein wollen, und diese Bilderbuch sind vermutlich eher keine Popstars. Einige fanden das dieses Jahr schade, ich für meinen Teil höre hier das bisher beste Stück Musik der Wiener. Sorry not Sorry.
Das beste daran: Wie in Kids im Park tatsächlich ein ziemlich guter Rocksong vom Zaun gebrochen wird.
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27.
CAPITAL BRA & SAMRA
Berlin lebt 2
Urban
Sicher der am meisten kontroverse Pick in dieser Liste, aber einer, der sich bei mir immer wieder bestätigt hat. So seltsam ich viele aktuelle Deutschrap-Trends finde, so sehr werden sie hier einmal großartig umgesetzt und so sehr finden Capital Bra und Samra hier die richtige Balance zwischen Gangster-Attitüde und Pop-Appeal. Ein Album, das mit ungefähr drei Themen ganze 18 Tracks füllt und dabei nicht langweilig wird, muss man erstmal hinbekommen und viele scheiterten in den letzten Jahren bekanntlich schon daran. Dass es jetzt ausgerechnet diese beiden sind, die den Dreh raushaben und eine LP präsentieren, die von vorne bis hinten unterhaltsam ist, ist dann vielleicht nur Glück. Vielleicht haben sie aber auch wirklich eine Geheimwaffe, die sie zu den Leuten macht, die die ganze scheiße richtig machen. Wie auch immer das hier passieren konnte, ich bin sehr froh darüber.
Das beste daran: Dass Samra endlich den großen Auftritt bekommt, den er sein Jahren verdient.
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26.
THE MOUNTAIN GOATS
In League With Dragons
Merge Records
Die
Mountain Goats waren bisher immer eine dieser ultabeliebten Bands, die
ich nur theoretisch gut finden konnte, doch ausgerechnet mit ihrem
unbeliebtesten Album seit Jahren finden sie mich doch noch. Das geniale
lyrische Konzept mit Texten über Dungeons & Dragons ist dabei
zweitrangig, sowas hat diese Gruppe ja schon immer ein bisschen gemacht
(etwa mit Platten über Wrestling oder die Gothic-Subkultur), es ist
tatsächlich auch die Musik. Das weniger polierte, vielleicht sogar etwas
schlampige und gemütlich-countryeske Songwriting von In League With Dragons
ist so viel schöner als alles, was ich von ihren alten Alben so kenne.
Und vor allem eine Erleichterung für mich, weil ich bei den coolen Kids
jetzt endlich auch sagen kann, dass ich diese Band toll finde.
Das beste daran: Wenn Waylon Jennings Live! richtig tief im Country suppt.
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25.
FRITTENBUDE
Rote Sonne
Audiolith
Bisher waren Frittenbude immer die konsensuale Indiepop-Partyband mit Mainstrem-Ausleger, die ihr politisches Engagement lieber praktisch ausübten als es plakativ Bono-mäßig in Songtexten einzubauen, doch wittern auch sie 2019 die Krise. Ihre neue LP Rote Sonne ist deshalb auch inhaltlich so politisch wie weniges zuvor und über weite Strecken ziemlich sauer. Musikalisch tut ihnen das ebenfalls gut, weil sie zwar weiterhin sehr intellektuell-schöngeistige Musik machen, die aber auch mal auf den Putz hauen darf und nicht mehr so dröge dahinleiert wie ihre alten Platten. Wenn ich ehrlich bin, ist das hier das erste Album der Münchner, das ich wirklich in seiner Ganzheit großartig finde und dass mich emotional anhebt. Auch wenn die Gründe dafür ziemlich beschissen sind.
Das beste daran: Wenn der Band im vorletzten Song Die Dunkelheit darf niemals siegen endlich so richtig der Kragen platzt.
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24.
NICK CAVE & THE BAD SEEDS
Ghosteen
Ghosteen Ltd.
2019 ist Nick Cave wieder zurück auf seinem Grind. Nach dem verhalten experimentellen Push the Sky Away und dem Bewältigungs-Album Skeleton Tree tut er auf seinem neuesten Projekt wieder gut daran, schwarzmalerisch-romantische Lyrik zu verbreiten. Zwar geschieht das auf Ghosteen deutlich atmosphärischer und balladiger als früher, die Wirkung ist trotzdem die gleiche. Cave findet sich hier als düsterer Märchenerzähler, der langatmige Epen deklamiert, bei denen es kein Happy End gibt und deren Moral eine allgemeine Hoffnungslosigkeit ist. Der Faktor Trauer spielt dabei auch hier eine Rolle, allerdings eher hintergrünig als Moodsetter. Und es zeigt, dass der Australier seine Rocker-Haut nunmehr endgültig abgestreift hat und hier ganz und gar im Kammerpop verschwindet. Eine konsequente Evolution, die hier ihren bisherigen Höhepunkt findet.
Das beste daran: Wie unauffällig sich Nick Cave hier noch weiter an Synthpop-Harmonien herantraut.
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23.
RICHARD DAWSON
2020
Weird World
Wahrscheinlich
erfasst keine Platte in diesem Jahr das Wesen des selbigen Jahres so
gut wie diese hier. Richard Dawson singt auf 2020 von
Angsstörungen, Rassismus, Klimawandel, unterbezahlten
Amazon-Mitarbeitenden, urbaner Einsamkeit und furchtbaren
Online-Dating-Erfahrungen. Was seinen Ansatz dabei besonders macht, ist
die nüchterne, beobachtende Haltung, mit denen er diese Zustände
teilweise in grauenvoller Ausführlichkeit beschreibt. Und wie er gerade
damit aufzeigt, wie furchtbar absurd so vieles in der
spätkapitalistischen Gesellschaft vonstatten geht. Kein politisches oder
sozialkritisches Album in dem Sinne, aber eines, das sehr viel
wirkungsvoller Gesellschaftskritik ausübt als jedes Rage Against the
Machine-Album. Und eine Platte, die wieder mal zeigt, was für ein
absoluter Ausnahme-Songwriter der Brite ist.
Das beste daran: Die letzte Minute von Jogging, die emotional nochmal richtig reinhaut.
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22.
BRING ME THE HORIZON
Amo
RCA Records Label
Es hat gedauert, aber 2019 waren meine musikalischen Ansichten mit denen von Bring Me the Horizon endlich auf dem richtigen Synchronitätslevel sind. Das liegt zum einen mit Sicherheit daran, dass ihre Art von Emo-Metal mit Mainstream-Ambitionen sich gerade einer kleinen Renaissance erfreut, zum anderen auch daran, dass sie innerhalb ihres Stils inzwischen die richtige Balance gefunden haben. Im Geiste ist Amo dabei ein Pop-Album, das sich die richtigen Versatzstücke aus Hardcore, Emorock, New Metal, Elektro und Hiphop heranzieht, um den bestmöglichen Hit zu schreiben. Gepaart mit der gewachsenen lyrischen Feinfühligkeit von Oli Sykes und ein paar geschickt gesetzten Features ergibt das ihr bisher bei weitem bestes Album. Hätte ich auch nicht gedacht, dass die nochmal in einer meiner Top 30-Listen auftauchen...
Das beste daran: Die synkopierten Beats im Refrain von Medicine.
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Es hat gedauert, aber 2019 waren meine musikalischen Ansichten mit denen von Bring Me the Horizon endlich auf dem richtigen Synchronitätslevel sind. Das liegt zum einen mit Sicherheit daran, dass ihre Art von Emo-Metal mit Mainstream-Ambitionen sich gerade einer kleinen Renaissance erfreut, zum anderen auch daran, dass sie innerhalb ihres Stils inzwischen die richtige Balance gefunden haben. Im Geiste ist Amo dabei ein Pop-Album, das sich die richtigen Versatzstücke aus Hardcore, Emorock, New Metal, Elektro und Hiphop heranzieht, um den bestmöglichen Hit zu schreiben. Gepaart mit der gewachsenen lyrischen Feinfühligkeit von Oli Sykes und ein paar geschickt gesetzten Features ergibt das ihr bisher bei weitem bestes Album. Hätte ich auch nicht gedacht, dass die nochmal in einer meiner Top 30-Listen auftauchen...
Das beste daran: Die synkopierten Beats im Refrain von Medicine.
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21.
BATUSHKA
Hospodi
Metal Blade Records
Hospodi ist
zwar die Platte der "bösen Batushka" unter Bart Krysiuk, die im
diesjährigen Namensstreit (googelt das bitte selber!) die deutlich
miesere Figur machten und sich zwischen den Zeilen als ziemlich kalte
Kommerz-Trottel outeten, musikalisch ist sie aber leider die wesentlich
bessere Batushka-LP 2019. Das liegt zwar auch daran, dass sie das
Produktionsbudget zur Verfügung hatte, das Krzysztof
Drabikowski für sein Projekt fehlte, doch hier zählen die Ergebnisse.
Und wo Darbikowskis Version zwar die untergrundige Realness des Debüts
behält, schafft es Barts Band doch erfolgreicher, den sakralen und
hymnischen Spirit selbiger Platte einzufangen und zu transferieren. Eins zu Null für Batushka gegen Batushka.
Das beste daran: Der fette Gitarrengroove im Zentrum von Wieczernia.
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20.
MARK RONSON
Late Night Feelings
Columbia
Mein persönliches Pop-Album 2019, das wirkungsvoll zeigt, wie man Hitsongs schreiben kann und dabei gleichzeitig ein kohärentes Gesamtwerk ohne Füllmaterial schafft. So gut wie jeder Track auf Late Night Feelings könnte eine Single sein und bei keinem der Features hier hat man des Gefühl, dass nur der fette Check und die Prestige ausschlaggebend gewesen wären. Diese LP ist ein Paket. Gemeinsam mit hochkarätigen Künstlerinnen wie Miley Cyrus, Lykke Li, Camila Cabello, Angel Olsen und Alicia Keys schafft Mark Ronson ein stimmiges Konzeptalbum über verlorene Liebe, das zwar in Ansätzen noch auf seine klassischen Steckenpferde Soul und Disco setzt, im wesentlichen aber ein sehr zeitgenössisches und modernes Mainstream-Projekt ist. Und als solches vielleicht das beste des New Yorkers.
Das beste daran: Wie großartig Miley Cyrus die Hook von Nothing Breaks Like A Heart veredelt.
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19.
FLUME
Hi, This is Flume
Future Classic
Für Flume selbst war Hi, This is Flume
eigentlich nur ein Mixtape, auf dem der Australier ein paar ungenutzte
Ideen verwursten wollte, doch die Electronica-Gemeinde flippte im März
geschlossen aus: Der Typ, den man für einen gefälligen Remix-DJ von den
B-Seiten der Popstars gehalten hatte, konnte ja tatsächlich was. Auf den
17 Songs hier entwickelt der Produzent eine erstaunlich experimentelle
Handschrift, baut eher Flächen als Hits und arbeitet mit unbekannteren
Künstler*innen und Newcomern zusammen. Das Ergebnis ist dabei nicht
weniger als seine beste Platte bisher, die von wirklichem Talent und
visionärem Potenzial zeugt. Zu schade, dass es am Ende eben nur die
Resterampe ist und Flume als nächstes mit großer Wahrscheinlichkeit doch
wieder Konsenspop-Mist veröffentlichen wird.
Das beste daran: Dass mir auf seinem Remix sogar mal ein Stück von Sophie zusagt.
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18.
SUN KIL MOON
I Also Want to Die in New Orleans
Caldo Verde
In
einer Top 30-Liste ohne die neue Platte von Sun Kil Moon würde mir
inzwischen wahrscheinlich etwas fehlen, aber zum Glück bleibt Mark
Kozelek auch 2019 konstant gut und veröffentlicht mit I Also Want to Die in New Orleans eine weitere stabile Platte. Die sieben neuen Songs sind sehr im Stil des Vorgängers This is My Dinner
vom letzten Jahr, wobei sich viele Stories noch länger hinziehen und
die Instrumentierung diesmal sehr positiv auffällt. Ebenfalls spannend
ist, wie Kozelek langsam beginnt, sich in seinen Texten auf andere Texte
zu beziehen und sozusagen sein eigenes Kontext-Universum zu erschaffen.
Damit wird seine Musik zwar alles andere als einfacher, aber in meinen
Augen noch ein Stückchen cooler. Und Nerd genug scheine ich ja
inzwischen definitiv zu sein.
Das beste daran: Dass Kozelek sich mit dem Titel ausgerechnet auf die $uicideboy$ bezieht.
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17.
THE CAT EMPIRE
Stolen Diamonds
Two Shoes Records
Bands wie the Cat Empire, die internationale Folk-Einflüsse als bloßes Stilmittel für strukturell sehr weiße Popmusik benutzen, habe ich früher immer gehasst und vielleicht tue ich es immer noch. Ein Album wie dieses kann und will ich aber niemandem übel nehmen, weil es einfach eine Euphorie abreißt, wie ich sie 2019 selten gehört habe. Mit Versatzstücken aus Afrobeat, Latin Jazz, Calypso, Reggae und Cumbia startet die Gruppe aus Australien hier eine mordsmäßige Party, bei der die Mischung einfach hinhaut. Starke Instrumentierung, eingängiges Songwriting und eine Hochglanz-Produktion, die aber nicht an Intensität spart und an den richtigen Stellen Druck macht. Das Ergebnis sind 13 Songs, einer fetziger als der andere. Definitiv das wirkungsvollste Gute-Laune-Album in diesem Jahr.
Das beste daran: Wie die Reprise von Adelphia nochmal 150 Prozent reinfeuert.
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16.
MATANA ROBERTS
Coin Coin Chapter Four: Memphis
Constellation
Freunde,
es ist soweit: In meinen Top 30 ist das erste Mal ein Free Jazz-Album.
Von jetzt an geht es also nur noch bergab. Zu meiner Verteidigung muss
ich aber sagen, dass Memphis mit Sicherheit eine der kurzweiligsten
Jazz-Platten war, die ich dieses Jahr gehört habe. Matana Roberts'
viertes erinnerungskulturelles Coin Coin-Projekt geht noch tiefer
als seine Vorgänger auf die musikalische Geschichte der Südstaaten ein
und findet zahlreiche Einflüsse aus Bluegrass, Gospel, Blues und Country
sowie ein sehr stimmungsvolles Narrativ, das sich wie eine
Kurzgeschichte über die 45 Minuten der LP zieht. Das klingt alles nach
sehr kunstigem Kram und ist es bisweilen auch, doch ist es ganz klar
eine der intensiveren musikalischen Erfahrungen, die ich dieses Jahr
gemacht habe und in meinen Augen die bisher beste Platte von Roberts.
Muss man mögen, ist für mich aber ein echtes Schmuckstück.
Das beste daran: Wie sich in Roberts' Erzählungen manchmal Spoken Word und Gesangsparts vermischen.
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15.
MAC DEMARCO
Here Comes the Cowboy
Mac's Record Label
Mit
seinen frühen Alben war Mac Demarco für einige sehr nervige Trends im
Indierock der letzten Jahre verantwortlich, seit einiger Zeit jedoch
scheint er sich selbst mehr und mehr von diesen Ideen wegzubewegen und
ein ernsthafter Songwriter zu werden. Was 2017 mit This Old Dog noch reichlich verpeilt begann, wurde dieses Jahr mit Here Comes the Cowboy
zu einem ehrlich guten Album. Macs Songwriting-Stil ist subtiler und
entspannter geworden, bei weitem nicht mehr so monoton wie früher und
wesentlich weniger albern. Außerdem schafft er es hier endlich mal,
seine Songs auch mal gescheit zu mixen und zu produzieren, was einen
erheblichen Qualitätsanstieg bedeutet. Kurzum also eine Inkarnation des
Kaliforniers, an die ich mich echt gewöhnen könnte.
Das beste daran: Dass man hier endlich mal alle Instrumente eichtig hört.
14.
JEFRE CANTU-LEDESMA
Tracing Back the Radiance
Mexican Summer
Man muss bei Ambient-Platten wie diesen immer ein bisschen aufpassen: Die meisten klingen erstmal geil, werden aber mit wiederholten durchläufen immer dröger. Nicht so Tracing Back the Radiance des kalifornischen Hannoveraners Jefre Cantu-Ledesma, das bisher mit jedem Hören besser wird. Die filigranen analogen Sounds sind hier so viel tiefer als woanders und was auf diesem Album an Instrumentarium ganz subtil im Hintergrund mitschwingt, entfaltet sich erst nach und nach. Wie immer bei solcher Musik hat man dann das Problem, das ganze möglichst anpreisbar zu beschreiben, aber was das angeht, müsst ihr mir jetzt einfach mal vertrauen: Dieser Typ versteht was von seiner Arbeit. Und dass er nach über zehn Jahren Aktivität jetzt endlich auch ein bisschen Auftrieb erfährt, hat er definitiv verdient.
Das beste daran: Ich weiß nicht, was das für ein Blasinstrument in Joy ist, aber es ist geil.
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13.
BIG THIEF
U.F.O.F.
4AD
2019 war ein großes Jahr für Big Thief. Die Band aus Brooklyn veröffentlichte gleich zwei Alben, die sich beide großer Beliebtheit erfreuten und das Quartett aus dem Zustand eines Geheimtipps hin zu einer Präsenz katapultierten, die fast schon ein bisschen nervig ist. Wann immer ich aber U.F.O.F., das für den Hype hauptverantwortliche Projekt höre, scheint das aber alles gerechtfertigt. Denn was ich hier erlebe, ist in vielerlei Hinsicht ein magisches Album, das aus dem kargen und minimalen Sound der Gruppe unglaublich viel herausholt und Songwriter-Pop schafft, der nicht in der selben Dimension zu existieren scheint wie viele theoretisch vergleichbare Künstler*innen. Eine sehr spezielle Band, die in den nächsten Jahren das Potenzial haben, noch sehr viel weiter zu wachsen.
Das beste daran: Dass einige Tracks vom letzten Soloalbum der Sängerin Adrianne Lenker hier nochmal eine Bandsound-Bearbeitung bekommen
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12.
BON IVER
i,i
Jagjaguwar
Als
Justin Vernon 2011 anfing, sich mit elektronischem Sequencing und
Autotune zu befassen, war das in meinen Augen lange noch ziemlich
ungelenk. Mit 22, A Million fand er zwar 2016 einen ansprechenden
Stil, doch wenn man mich fragt, ist seine stilistische Evolution erst
mit diesem Album so richtig abgeschlossen. Mit spannenden Erkenntissen:
Bon Iver stehen Songskizzen besser als große Hits, der geistige Pate
dieser Musik ist weniger Kanye West als Peter Gabriel und mehr Effekte
auf der Stimme bedeuten nicht automatisch bessere Songs. Wie man die
Musik des Amerikaners jetzt am besten beschreibt, bleibt dabei ebenso
Verhandlungssache wie die Frage, ob sein Debüt nicht am Ende doch der
beste Justin Vernon war. Für seine momentane Ausrichtung ist das hier
aber in meinen Augen der neue Maßstab. Bliebt die Frage, wie lange er
das selbst noch aushält.
Das beste daran: Wenn sich aus dem ganzen Gefrickel mit Hey, Ma tatsächlich ein waschechter Songwriting-Moment herausschält.
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11.
JESSICA PRATT
Quiet Signs
City Slang
Jessica Pratt ist eine dieser Künstler*innen, die einfach unglaublich viel Stil haben, was bereits ihre beiden bisherigen Alben zeigten. Auf Quiet Signs kulminiert sich das alles aber nochmal so richtig, was die Platte zu einer der schicksten und harmonischsten Projekte dieses Jahres macht. Die Musik hier verprüht den verruchten Charme von Serge Gainsbourg, Tropicália, the Velvet Underground und Leonard Cohen, wobei ihre elfenhafte Stimme nicht gerade wenig zu der verschwommenen Fantasie-Romantik beiträgt. Dazu sind die Tracks hier alle unglaublich gut komponiert und produziert und fließen ineineinander wie weicher Samt. Kein wirklich herausforderndes Album, aber eines voller mystischer Schönheit, die ein bisschen zeitlos ist.
Das beste daran: Wie smooth As the World Turns das kompositorische Motiv von Opening Night übernimmt.
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10.
JUAN WAUTERS
La Onda Juan Pablo
Captured Tracks
La Onda de Juan Pablo ist eigentlich kein Album, das typischerweise auf so einer Liste landet. Es ist musikalisch extrem unstet, teilweise schlamig aufgenommen und enthält sehr viele alberne und überflüssige Momente. Eigenschaften, die sehr wahrscheinlich darauf zurückzuführen sind, dass diese LP über einen langen Zeitraum in diversen Studios in Südamerika aufgenommen wurde. Hier liegt aber auch der Hund begraben, denn was Juan Wauters auf diesem Album unternimmt ist eine künstlerische Entdeckungsreise durch die musikalischen Traditionen seiner Heimat. Was wiederum dazu führt, dass das hier seine erste Platte ist, auf der der Songwriter wirklich nach sich selbst klingt und einen eigenen Charakter findet. Und dieser strahlt hier so aufregend durch das ganze Chaos, dass mir diese LP am Ende einfach sehr sympathisch ist und ich es 2019 immer wieder gehört habe.
Das beste daran: Dass sich mit diesem Album auch mein spanisch ein bisschen verbessert hat.
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09.
GRISELDA
WWCD
Shady Redords
Der Vergleich ist nach den paar Wochen schon ausgelutscht, aber das Debüt von Griselda erinnert tatsächlich in sehr vielen Hinsichten an die frühen Sachen des Wu-Tang Clan. Vordergründig natürlich klanglich, weil die New Yorker ebenfalls auf dreckige LoFi-Beats, dicke Bars und MCs mit jeder Menge Charakter setzen. Aber auch in der Hinsicht, dass sich WWCD wie die Platte anfühlt, auf der sich das ganze Talent dieser Crew zusammenfindet und plötzlich exponentiell anwächst. Passend dazu werden Griselda hier dann auch von den Altvorderen der Szene geadelt, die hier mehr als nur den guten Namen für ein paar Features geben. Was insgesamt zu dem Eindruck führt, dass diese Newcomer mehr sind als nur talentierte Jungspunde mit einer Vorliebe für die alte Eastcoast-Schule, sondern hier auch die Struktur stimmt. Spätestens nach diesem Brocken von einem Debüt.
Das beste daran: Dass ausgerechnet Eminem und 50 Cent hier ihre besten Parts seit Jahren beitragen.
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08.
POSSESSED
Revelations of Oblivion
Nuclear Blast
Ich bin eigentlich viel zu jung, um Revelations of Oblivion als großartiges Comeback zu feiern, denn den Einfluss von Possessed auf die Death Metal-Szene kenne ich ja nur theoretisch. Trotzdem finde ich es faszinierend, dass hier eine Band, die über zehn Jahre nichts veröffentlicht hat und stilistisch eigentlich abgehängt sein müsste, aus dem Stand die beste Platte ihrer Nische veröffentlicht. Insbesondere weil es hier um Death Metal geht - ein Genre, dass sich in den fast 40 Jahren nach dem ersten Possessed-Album grundlegend verändert hat. Dass sich die Kalifornier aber genau daran nicht anbiedern und ihrem oldschooligen Stil einfach eine klangliche Frischzellenkur verpassen, macht diese LP am Ende so genial und beschert mit großen Respekt vor dieser Band.
Das beste daran: Wie sich Schlagzeugsolo und Gitarrenriff am Anfang von Damned die Klinke in die Hand geben.
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07.
ANDERSON .PAAK
Ventura
Aftermath / 12 Tone Music LLC
Ich würde nicht sagen, dass ich die Musik von Anderson .Paak bisher scheiße fand, nur war ich im Vergleich zu vielen Leuten in den letzten Jahren nicht ganz so begeistert von seinem Output. Mit Ventura holt mich der Kalifornier jetzt aber auch endlich ab und übertrifft sogar noch meine Erwartungen an ein Album von ihm. Man muss aber auch echt sagen, dass er hier mit ganz besonderer Sorgfalt gearbeitet hat. Das Songwriting ist unglaublich detailliert, die Produktion exzellent und absolut jedes Feature hier ein Highlight. Außerdem trifft Anderson mit seinem stilistischen Fokus auf Siebziger Motown-Soul einen meiner persönlichen Soft Spots, was am Ende auch nicht ganz unwichtig ist. In meinen Augen ganz klar sein bisher bestes Projekt, und das mit großem Abstand.
Das beste daran: Dass Dr. Dre extra hierfür noch einen alten Nate Dogg-Track ausgebuddelt hat.
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06.
QUELLE CHRIS
Guns
Mello Music Group
Es ist ein bisschen schade, dass Quelle Chris erst seine ganzen eigentlich sehr coolen musikalischen Quirks loswerden musste, um ein so formvollendetes Album wie dieses hier zu veröffentlichen, aber besser so als gar nicht. Strukturell ist Guns zwar eine Anbiederung an momentane Trends im Rap, auf der es sanftere Beats, mehr Hit-Momente und sogar relativ viel Gesang gibt, qualitativ verliert der Künstler hier aber nicht an Boden, sondern gewinnt in meinen Augen sogar. Außerdem ist er unter seinen neuen Stilgenoss*innen immer noch einer der intelligentesten, der hier mit deutlichen politischen Narrativen und angespitzter Satire wie üblich überzeugt. Manchmal ist die beste Platte eben die mit dem meisten Crossover-Potenzial und anscheinend hat Quelle Chris dafür kein Problem, auch mal wie alle anderen zu klingen
Das beste daran: Das albern-satirische Interlude Color of the Day, in der Quelle Chris nochmal seine alten Qualitäten spielen lässt.
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DOWNFALL OF GAIA
05.
Ethic of Radical Finitude
Metal Blade Records
Wenn
das ganze angeblich so eine kurzlebige Nullnummer war, wieso ist dann
das beste Metal-Album des Jahres schon wieder ein atmosphärisches Black
Metal-Album? Na gut, Ethic of Radical Finitude ist alles andere
als innovativ und spielt sehr nah am Stil der Klassiker, aber die Art
und Weise, wie Downfall of Gaia diesen Trend hier noch und nöcher mit
gutem Songwriting, starken Performances und ihren philosophischen
Konzept-Lyrics füllen, ist faszinierend. Es ist, als würden sie am Ende
des Jahrzehnts den Blackgaze-Sack zumachen wollen, indem sie hier die
ultimative, unanfechtbare Super-LP veröffentlichen, die so unfickbar
ist, dass sich in den nächsten zehn Jahren niemand mehr traut,
atmosphärischen Black Metal zu spielen. Hoffentlich gelingt es ihnen
nicht, denn nach diesem Album glaube ich wieder daran, das da noch was
zu holen ist.
Das beste daran: Wenn man das erste Mal schnallt, was die bescheuterten Songtitel zu bedeuten haben.
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04.
Twelve Nudes
Bella Union
Am Anfang war Ezra Furman dieses Jahr nur die bestmögliche Vertretung für den formtiefen Ty Segall, der ähnlich guten Garagenrock machte und hier ein paar stabile Bretter spielte. Erst über eine gewisse Zeit erkannte ich jedoch den wahren Wert dieser LP, die viel eher ein klassisches Protestalbum ist und den politschen Zeitgeist einfängt wie wenige andere Platten in dieser Saison. Twelve Nudes ist ein Blitzlicht der wütenden Jugend im Amerika von Donald Trump, Krankenversicherungsschulden, Gender-Debatten und kollektiver Depression, ein Stück Rockmusik mit aktuellem Bezug und ohne verklärende Romantik. Furman ist dabei mehr als ein guter Garagenrock-Musiker, sondern eher ein heißer Kandidat für den Moment, an dem wir mal wieder einen Bod Dylan brauchen.
Das beste daran: I Wanna Be Your Girlfriend, die beste Transgender-Hymne seit immer.
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03.
Das Grauen, das Grauen
DIY
Schon seit langem hatte ich bei Grim104 das Gefühl, dass in diesem Typen jemand steckt, der Deutschrap erfrischend anders denkt und mit seinem selbstbetitelten Debüt hatte er das vor Jahren schon skizziert. Allerdings brauchte es erst Das Grauen, das Grauen um dieses Potenzial endgültig zu entfalten. Mit dem lyrischen Konzept über lebensechten Horror trifft eine Thematik, die schon bei Zugezogen Maskulin in ihm brodelte und zusammen damit kommt auch seine ganz eigene Poesie und Performance hier richtig zur Geltung. Obwohl das Ergebnis am Ende nur 25 Minuten Musik sind, zeigen sie doch sehr eindrücklich das Spektrum dieses Rappers und überzeugen mich endgültig davon, dass Grim104 eine Ausnahme im Deutschrap ist.
Das beste daran: Wie Grim in Geist auch seinem Faible für Electronica weiter nachkommt.
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02.
FÖLLAKZOID
I
Sacred Bones Records
Dass auf dem vierten Album der Chilenen wieder die Eins im Titel steht, ist auf den ersten Blick verwirrend, wird anhand des künstlerischen Konzepts aber schnell klar. Denn was Föllakzoid hier machen, ist nicht nur eine neue Arbeitsweise für sie, sondern tatsächlich ein gänzlich sehr innovativer Sound. Die vier aus diversen Sessions zusammengestückelten Tracks sind zwar mit klassischem Rock-Instrumentarium aufgenommen und gespielt, doch ist das klangliche Wesen dieser Platte durch und durch elektronisch und erinnert eher an schummrigen Berghain-Techno als an den Krautrock, den diese Band bisher spielte. Dabei ist I aber nicht nur strukturell als Experiment interessant, sondern mit seiner meditativen, rhythmischen Art tatsächlich ein Album, das dieses Jahr immer wieder bei mit lief und mich ästhetisch unglaublich fasziniert. Klingt komisch, ist aber so.
Das beste daran: Bmts-dmtsm-bdmst-bdmts-bdmts-bdmts-bdmts-bdmts-bdmts-bdmts-bdmts
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01.
KATE TEMPEST
the Book of Traps & Lessons
Republic Records
Rein von der Idee her ist the Book of Traps & Lessons am ehesten ein politisches Album. Es handelt von der Katastrophe des Brexit, neuen rechtspopulistischen Regierungen, allgemeinem Rassismus, Neokolonalismus und so weiter. An den meisten Stellen sind das alles aber Themen, die in den Hintergrund treten, weil Kate Tempest keine politische Songwriterin sein will. Sie redet hier über das kollektive Trauma ihrer Lebenswelt, über die Hoffnungslosigkeit ihrer Mitmenschen, über die Scheiße, die tagtäglich passiert und eine Welt, mit der man auch ohne diese Scheiße eigentlich schon fertig genug ist. In ihren tragischen Slam Poetry-Songs ist sie dabei nicht wütend, kaputt oder sachlich, sondern poltert mit vehementer Leidenschaft gegen die Zustände an. Ist tief getroffen, abgespannt, demoralisiert, verzweifelt, aber auch hoffnungsvoll, motivierend und warmherzig. Wie eine gute Freundin, mit der man zusammen heulen kann, die einen dann aber auch wieder aufbaut und jedes Gespräch mit einem ehrlich gemeinten "Das wird schon!" beendet. Und genau dieses Album habe ich 2019 irgendwie gebraucht.
Das beste daran: Wenn Kate Tempest in People's Faces selber an der emotionalen Obergrenze performt.
